MOB MUSIC SCHOOL
Incontro intensivo con Matteo Spinazzè, di due giorni consecutivi, in cui si affrontano le fasi di produzione in studio -recording e mixing- di un brano di una band del panorama musicale contemporaneo. Il primo giorno è dedicato alla recording dell'artista in studio; il secondo alla postproduzione del brano.
La creazione di un brano musicale è un processo che coinvolge una combinazione di creatività artistica e competenze tecniche, dalla scrittura del brano fino alla sua produzione finale. Ogni fase richiede un approccio specifico per ottenere il risultato desiderato.
Negli incontri si esploreranno le principali fasi della produzione musicale con il focus incentrato sulla registrazione, editing e mixaggio.
L'obiettivo è guidare i partecipanti ad assistere ad una vera e propria session che va dal contatto con l’artista, dove si analizza la sua visione del brano, alla conseguente scelta del sound che lo caratterizzerà.
Un'occasione per esplorare in dettaglio i vari passaggi dando la possibilità di assistere e divertirsi con le tecniche di registrazione e l’utilizzo di vari microfoni che andranno a colorare il suono degli strumenti creando cosi l’identità della canzone registrata.
Nella fase di post-produzione invece si lavorerà all’editing e mixing del brano scolpendo e bilanciando in maniera creativa i vari strumenti per ottenere un risultato che cercherà di rappresentare il più possibile la visione dell’artista e del produttore
La creazione di un brano musicale è un processo che coinvolge una combinazione di creatività artistica e competenze tecniche, dalla scrittura del brano fino alla sua produzione finale. Ogni fase richiede un approccio specifico per ottenere il risultato desiderato.
Negli incontri si esploreranno le principali fasi della produzione musicale con il focus incentrato sulla registrazione, editing e mixaggio.
L'obiettivo è guidare i partecipanti ad assistere ad una vera e propria session che va dal contatto con l’artista, dove si analizza la sua visione del brano, alla conseguente scelta del sound che lo caratterizzerà.
Un'occasione per esplorare in dettaglio i vari passaggi dando la possibilità di assistere e divertirsi con le tecniche di registrazione e l’utilizzo di vari microfoni che andranno a colorare il suono degli strumenti creando cosi l’identità della canzone registrata.
Nella fase di post-produzione invece si lavorerà all’editing e mixing del brano scolpendo e bilanciando in maniera creativa i vari strumenti per ottenere un risultato che cercherà di rappresentare il più possibile la visione dell’artista e del produttore
Esplorazione Creativa e Sperimentazione Sonora con Alessandro La Padula. Il laboratorio è progettato per fornire una solida base di conoscenze teoriche e pratiche delle tecniche di produzione, con un accento particolare sugli aspetti espressivi e concettuali del processo.
Durante le lezioni, attraverso esercitazioni pratiche e l'uso di tecnologie professionali messe a disposizione dalla struttura e all’approfondimento di strumenti fondamentali come DAW, VST e MIDI, verranno esplorate e analizzate tutte le fasi della creazione di un brano, partendo dall'elaborazione di un provino fino a giungere a un prodotto finito e pronto per la pubblicazione.
Gli studenti svilupperanno competenze nell’arrangiamento, nel mixaggio e nel sound design, affinando al contempo le capacità di ascolto e analisi di brani celebri. Verrà anche dedicato spazio alla storia della produzione musicale dagli anni ‘60 a oggi, per comprendere le trasformazioni che hanno influenzato la musica contemporanea e stimolare uno stile personale e originale.
Programma
Lezione 1: Introduzione alla Produzione Musicale e agli Strumenti Fondamentali
Il corso inizia con una panoramica delle principali attrezzature e dei software di produzione. Gli studenti esploreranno le DAW concentrandosi in particolare su Ableton Live come software principale del corso, familiarizzando con l’interfaccia e gli strumenti essenziali per iniziare a creare e dare forma alle proprie idee.
Lezione 2: Il Ciclo Creativo e il Ruolo dell’Arrangiamento
Approfondimento sulle fasi del ciclo di produzione musicale, dalla pre-produzione alla post-produzione, e sul ruolo dell’arrangiamento come strumento di espressione. Gli studenti lavoreranno su una melodia semplice, esplorando il processo di costruzione di un arrangiamento di base.
Lezione 3: Introduzione al MIDI e agli Strumenti Virtuali
Introduzione al MIDI e agli strumenti virtuali, con particolare attenzione alle possibilità offerte dal campionamento e dalla sintesi sonora. Gli studenti sperimenteranno la creazione di loop e pattern ritmici, scoprendo come sviluppare una base sonora con strumenti digitali.
Lezione 4: Tecniche di Registrazione e Gestione Creativa dell’Audio
Esplorazione delle tecniche di registrazione e della gestione del suono, dalla scelta del microfono a quella dei monitor. Gli studenti si cimenteranno nella registrazione e nell’editing di tracce vocali e strumentali, esplorando vari stili e soluzioni timbriche.
Lezione 5: Arrangiamento e Struttura Musicale
Analisi e pratica sull'arrangiamento e sulla struttura di un brano. Attraverso lo studio di ritmo, melodia e armonia, gli studenti costruiranno la struttura di un brano e applicheranno tecniche di arrangiamento per dare coerenza e identità al pezzo.
Lezione 6: Reference Track e Analisi Stilistica
Esplorazione dell’uso delle reference track per definire uno stile e una direzione espressiva. Gli studenti impareranno a confrontare spettri sonori e caratteristiche timbriche, identificando gli elementi chiave che definiscono l’atmosfera e lo stile di un brano.
Lezione 7: Analisi di Brani Iconici e Tecniche di Produzione
Analisi approfondita di brani di successo e scomposizione delle tracce per studiare elementi distintivi di varie produzioni musicali. Gli studenti parteciperanno a una riflessione collettiva sulle tecniche produttive e su come queste possano influenzare il risultato finale di una traccia.
Lezione 8: Tecniche di Mixaggio ed Effettistica
Introduzione alle tecniche di mixaggio fondamentali come panning, bilanciamento dei livelli, equalizzazione ed effettistica. Attraverso esercitazioni pratiche, gli studenti sperimenteranno con effetti e tecniche di mixaggio, enfatizzando la coerenza sonora e la propria impronta stilistica.
Lezione 9: Sintesi Sonora e Sound Design
Questa lezione si concentra sulla progettazione sonora e sulla creazione di suoni unici. Gli studenti esamineranno come i sintetizzatori abbiano plasmato l’identità sonora di diversi generi musicali e il loro impatto culturale nel tempo. Attraverso esercizi pratici, apprenderanno tecniche per personalizzare i propri timbri, trasformando il suono in un autentico strumento di espressione personale.
Lezione 10: Campionamento, Looping e Librerie Personalizzate
Gli studenti esploreranno il campionamento e la creazione di loop ritmici e melodici, imparando a costruire librerie di suoni uniche da utilizzare nei propri progetti. La lezione si concentrerà sulla gestione di librerie sonore personalizzate per creare una tavolozza sonora distintiva.
Lezione 11: Workflow e Ottimizzazione del Tempo nella Produzione Musicale
Questa lezione affronta la gestione del tempo e delle risorse creative. Gli studenti apprenderanno a organizzare i file, creare template per diversi generi, ottimizzare il workflow e adottare strategie per migliorare la produttività. Si discuterà anche di come mantenere un equilibrio tra il lavoro creativo e il benessere personale.
Lezione 12: Progetto Finale e Presentazione
Nell'ultima lezione, ogni studente presenterà un progetto finale che riassume e applica le competenze acquisite durante il laboratorio. I lavori saranno valutati e discussi collettivamente, con feedback orientato alla crescita artistica e ai possibili sviluppi futuri.
Durante le lezioni, attraverso esercitazioni pratiche e l'uso di tecnologie professionali messe a disposizione dalla struttura e all’approfondimento di strumenti fondamentali come DAW, VST e MIDI, verranno esplorate e analizzate tutte le fasi della creazione di un brano, partendo dall'elaborazione di un provino fino a giungere a un prodotto finito e pronto per la pubblicazione.
Gli studenti svilupperanno competenze nell’arrangiamento, nel mixaggio e nel sound design, affinando al contempo le capacità di ascolto e analisi di brani celebri. Verrà anche dedicato spazio alla storia della produzione musicale dagli anni ‘60 a oggi, per comprendere le trasformazioni che hanno influenzato la musica contemporanea e stimolare uno stile personale e originale.
Programma
Lezione 1: Introduzione alla Produzione Musicale e agli Strumenti Fondamentali
Il corso inizia con una panoramica delle principali attrezzature e dei software di produzione. Gli studenti esploreranno le DAW concentrandosi in particolare su Ableton Live come software principale del corso, familiarizzando con l’interfaccia e gli strumenti essenziali per iniziare a creare e dare forma alle proprie idee.
Lezione 2: Il Ciclo Creativo e il Ruolo dell’Arrangiamento
Approfondimento sulle fasi del ciclo di produzione musicale, dalla pre-produzione alla post-produzione, e sul ruolo dell’arrangiamento come strumento di espressione. Gli studenti lavoreranno su una melodia semplice, esplorando il processo di costruzione di un arrangiamento di base.
Lezione 3: Introduzione al MIDI e agli Strumenti Virtuali
Introduzione al MIDI e agli strumenti virtuali, con particolare attenzione alle possibilità offerte dal campionamento e dalla sintesi sonora. Gli studenti sperimenteranno la creazione di loop e pattern ritmici, scoprendo come sviluppare una base sonora con strumenti digitali.
Lezione 4: Tecniche di Registrazione e Gestione Creativa dell’Audio
Esplorazione delle tecniche di registrazione e della gestione del suono, dalla scelta del microfono a quella dei monitor. Gli studenti si cimenteranno nella registrazione e nell’editing di tracce vocali e strumentali, esplorando vari stili e soluzioni timbriche.
Lezione 5: Arrangiamento e Struttura Musicale
Analisi e pratica sull'arrangiamento e sulla struttura di un brano. Attraverso lo studio di ritmo, melodia e armonia, gli studenti costruiranno la struttura di un brano e applicheranno tecniche di arrangiamento per dare coerenza e identità al pezzo.
Lezione 6: Reference Track e Analisi Stilistica
Esplorazione dell’uso delle reference track per definire uno stile e una direzione espressiva. Gli studenti impareranno a confrontare spettri sonori e caratteristiche timbriche, identificando gli elementi chiave che definiscono l’atmosfera e lo stile di un brano.
Lezione 7: Analisi di Brani Iconici e Tecniche di Produzione
Analisi approfondita di brani di successo e scomposizione delle tracce per studiare elementi distintivi di varie produzioni musicali. Gli studenti parteciperanno a una riflessione collettiva sulle tecniche produttive e su come queste possano influenzare il risultato finale di una traccia.
Lezione 8: Tecniche di Mixaggio ed Effettistica
Introduzione alle tecniche di mixaggio fondamentali come panning, bilanciamento dei livelli, equalizzazione ed effettistica. Attraverso esercitazioni pratiche, gli studenti sperimenteranno con effetti e tecniche di mixaggio, enfatizzando la coerenza sonora e la propria impronta stilistica.
Lezione 9: Sintesi Sonora e Sound Design
Questa lezione si concentra sulla progettazione sonora e sulla creazione di suoni unici. Gli studenti esamineranno come i sintetizzatori abbiano plasmato l’identità sonora di diversi generi musicali e il loro impatto culturale nel tempo. Attraverso esercizi pratici, apprenderanno tecniche per personalizzare i propri timbri, trasformando il suono in un autentico strumento di espressione personale.
Lezione 10: Campionamento, Looping e Librerie Personalizzate
Gli studenti esploreranno il campionamento e la creazione di loop ritmici e melodici, imparando a costruire librerie di suoni uniche da utilizzare nei propri progetti. La lezione si concentrerà sulla gestione di librerie sonore personalizzate per creare una tavolozza sonora distintiva.
Lezione 11: Workflow e Ottimizzazione del Tempo nella Produzione Musicale
Questa lezione affronta la gestione del tempo e delle risorse creative. Gli studenti apprenderanno a organizzare i file, creare template per diversi generi, ottimizzare il workflow e adottare strategie per migliorare la produttività. Si discuterà anche di come mantenere un equilibrio tra il lavoro creativo e il benessere personale.
Lezione 12: Progetto Finale e Presentazione
Nell'ultima lezione, ogni studente presenterà un progetto finale che riassume e applica le competenze acquisite durante il laboratorio. I lavori saranno valutati e discussi collettivamente, con feedback orientato alla crescita artistica e ai possibili sviluppi futuri.
Il laboratorio d recording con Simone Poccia è il completamento di un percorso di formazione per musicisti. È essenziale in un'ottica di formazione professionale completa per chi vuole lavorare nel mondo della musica. Il laboratorio si tiene presso il nostro studio di registrazione e si rivolge ai praticanti di tutti gli strumenti.
1° Appuntamento: Scoprire lo Studio
2° Appuntamento: Approccio Basic alla Registrazione
3° Appuntamento: Prepararsi alla Registrazione
4° Appuntamento: Ruolo e Comunicazione del Musicista in Studio
5° Appuntamento: Batteria (Parte 1)
6° Appuntamento: Batteria (Parte 2)
7° Appuntamento: Basso
8° Appuntamento: Chitarra
9° Appuntamento: Tastiere
10° Appuntamento: Voce (Parte 1)
11° Appuntamento: Voce (Parte 2)
12° Appuntamento: Revisione delle Tracce Registrate
13° Appuntamento: Bilanciamento Base delle Tracce
14° Appuntamento: Progetto Finale (Batteria e Basso)
15° Appuntamento: Progetto Finale (Chitarra e Tastiere)
16° Appuntamento: Progetto Finale (Voce e Dettagli)
17° Appuntamento: Ascolto Insieme e Ultimi Ritocchi
18° Appuntamento: Condivisione Finale
1° Appuntamento: Scoprire lo Studio
2° Appuntamento: Approccio Basic alla Registrazione
3° Appuntamento: Prepararsi alla Registrazione
4° Appuntamento: Ruolo e Comunicazione del Musicista in Studio
5° Appuntamento: Batteria (Parte 1)
6° Appuntamento: Batteria (Parte 2)
7° Appuntamento: Basso
8° Appuntamento: Chitarra
9° Appuntamento: Tastiere
10° Appuntamento: Voce (Parte 1)
11° Appuntamento: Voce (Parte 2)
12° Appuntamento: Revisione delle Tracce Registrate
13° Appuntamento: Bilanciamento Base delle Tracce
14° Appuntamento: Progetto Finale (Batteria e Basso)
15° Appuntamento: Progetto Finale (Chitarra e Tastiere)
16° Appuntamento: Progetto Finale (Voce e Dettagli)
17° Appuntamento: Ascolto Insieme e Ultimi Ritocchi
18° Appuntamento: Condivisione Finale
Con Alberto Laruccia. L’obiettivo principale è permettere ai partecipanti di sviluppare un solido senso di ascolto reciproco, migliorare l’interazione tra i vari strumenti e affrontare le dinamiche specifiche della performance in band.
Durante il laboratorio, i partecipanti lavoreranno su un repertorio di brani di diversi generi a seconda delle influenze dei partecipanti, affrontando ogni fase del processo musicale: dalla scelta dei brani, alla divisione delle parti, fino alla costruzione collettiva di arrangiamenti.
Ogni lezione prevede momenti di esercitazione individuale e di gruppo, con particolare attenzione alla coesione ritmica, all'equilibrio sonoro e alla creatività individuale. Verrà inoltre approfondita l’interpretazione stilistica dei brani e l’aspetto performativo, con simulazioni di esibizioni dal vivo per preparare i musicisti a gestire una performance in pubblico.
Il laboratorio si conclude con una prova generale e un’esibizione finale, che permetterà ai partecipanti di mettere in pratica quanto appreso e vivere l’esperienza di suonare insieme in un contesto live. Questo percorso è ideale per strumentisti e cantanti di livello intermedio, desiderosi di vivere un'esperienza immersiva nella musica d'insieme.
Durante il laboratorio, i partecipanti lavoreranno su un repertorio di brani di diversi generi a seconda delle influenze dei partecipanti, affrontando ogni fase del processo musicale: dalla scelta dei brani, alla divisione delle parti, fino alla costruzione collettiva di arrangiamenti.
Ogni lezione prevede momenti di esercitazione individuale e di gruppo, con particolare attenzione alla coesione ritmica, all'equilibrio sonoro e alla creatività individuale. Verrà inoltre approfondita l’interpretazione stilistica dei brani e l’aspetto performativo, con simulazioni di esibizioni dal vivo per preparare i musicisti a gestire una performance in pubblico.
Il laboratorio si conclude con una prova generale e un’esibizione finale, che permetterà ai partecipanti di mettere in pratica quanto appreso e vivere l’esperienza di suonare insieme in un contesto live. Questo percorso è ideale per strumentisti e cantanti di livello intermedio, desiderosi di vivere un'esperienza immersiva nella musica d'insieme.
Con Alberto Laruccia. Il Laboratorio di Songwriting nasce con l’obiettivo di favorire l’incontro di diverse personalità artistiche al fine di fornire gli strumenti necessari per la scrittura creativa di un brano.
E’ destinato a coloro che si trovano per la prima volta ad affrontare la stesura di un brano così come ai songwriter alla ricerca di stimoli fuori dalla propria cameretta.
Questo metodo è fondamentale per creare lo scambio e incrementare la propria capacità di ascolto, poichè l’apertura ai diversi generi musicali e ai diversi stili di scrittura permette di far propri strumenti e tecniche mai sperimentati prima e, soprattutto, di crescere artisticamente.
Durante le lezioni a cadenza quindicinale, della durata di 3 ore, si darà spazio agli aspetti più teorici legati alla storia della canzone italiana ed internazionale, all’analisi delle strutture delle diverse forme di canzone, allo studio degli impianti armonici e melodici dei brani che hanno fatto la storia.
Particolare attenzione verrà data al lavoro individuale, di coppia o di gruppo sul materiale inedito di ogni allievo, nonché a diversi esercizi di tecniche compositive come la composizione in stile che aiuteranno l’allievo ad esercitare la propria capacità di scrittura fuori dalla propria comfort zone e ad assimilare le caratteristiche di autori e generi diversi al fine di agevolare la dimestichezza e la versatilità in qualità di autore.
Alla fine del laboratorio gli allievi presenteranno un proprio brano originale.
E’ destinato a coloro che si trovano per la prima volta ad affrontare la stesura di un brano così come ai songwriter alla ricerca di stimoli fuori dalla propria cameretta.
Questo metodo è fondamentale per creare lo scambio e incrementare la propria capacità di ascolto, poichè l’apertura ai diversi generi musicali e ai diversi stili di scrittura permette di far propri strumenti e tecniche mai sperimentati prima e, soprattutto, di crescere artisticamente.
Durante le lezioni a cadenza quindicinale, della durata di 3 ore, si darà spazio agli aspetti più teorici legati alla storia della canzone italiana ed internazionale, all’analisi delle strutture delle diverse forme di canzone, allo studio degli impianti armonici e melodici dei brani che hanno fatto la storia.
Particolare attenzione verrà data al lavoro individuale, di coppia o di gruppo sul materiale inedito di ogni allievo, nonché a diversi esercizi di tecniche compositive come la composizione in stile che aiuteranno l’allievo ad esercitare la propria capacità di scrittura fuori dalla propria comfort zone e ad assimilare le caratteristiche di autori e generi diversi al fine di agevolare la dimestichezza e la versatilità in qualità di autore.
Alla fine del laboratorio gli allievi presenteranno un proprio brano originale.
Con David Guido Guerriero Dalla manipolazione dei suoni alla costruzione di atmosfere sonore, questo percorso ti porta dietro le quinte della post-produzione audio, con un focus su Avid Pro Tools, il software di editing audio usato dai professionisti di tutto il mondo.
Imparerai le tecniche avanzate che potranno essere la base per un futuro nel mondo del cinema, della radio, del podcasting o della musica.
Il corso è pensato per chi vuole plasmare il suono e dominare le possibilità creative offerte dalla tecnologia, per trasformare ogni progetto in un'esperienza sonora unica.
Lezione 1
Lezione 2
Lezione 3
Lezione 4
Lezione 5
Lezione 6
Pro Tools Lezione 7
Lezione 8
Lezione 9
Imparerai le tecniche avanzate che potranno essere la base per un futuro nel mondo del cinema, della radio, del podcasting o della musica.
Il corso è pensato per chi vuole plasmare il suono e dominare le possibilità creative offerte dalla tecnologia, per trasformare ogni progetto in un'esperienza sonora unica.
Lezione 1
Lezione 2
Lezione 3
Lezione 4
Lezione 5
Lezione 6
Pro Tools Lezione 7
Lezione 8
Lezione 9
Fonico, produttore e musicista, classe 1995.
Grazie ai tanti dischi presenti in casa si appassiona alla musica fin da bambino, ritrovandosi immediatamente a imbracciare una chitarra.
Negli anni successivi approfondisce lo studio di vari stili e generi musicali (dalla classica al pop, passando per il rock, il blues e la bossa nova).
Trasferitosi a Roma, parallelamente a un'intensa attività live come chitarrista, bassista e tastierista, inizia a formarsi anche nell'ambito della fonia e della produzione.
Dopo qualche anno di esperienza tra locali, spazi e teatri della capitale, dal 2020 collaborara stabilmente con i Mob Studios.
Tra palchi e studi di registrazione ha avuto l'opportunità di collaborare con tanti artisti italiani e internazionali (tra cui Il Muro del Canto, Francesco Gabbani, Ultimo, Meganoidi, Leo Pari, Noemi, Javier Giorotto, Alex Acuña, Mino Cinelu e altri...)
Alessandro La Padula è un produttore, arrangiatore e polistrumentista con sede a Roma.
Ha iniziato il suo percorso musicale in una piccola radio nel sud Italia, dove, a soli 12 anni, ha imparato a fare il DJ. È stato uno dei membri fondatori della band indie/pop Masoko (chitarrista), del collettivo di improvvisazione jazz/punk GASP! (batterista) e del duo di produzione house/techno The Zars (DJ/producer).
Dal 2016 collabora con il Mob, dove ha lavorato a numerosi progetti musicali, affinando ulteriormente le sue competenze nel campo della produzione e dell’arrangiamento.
Ha anche realizzato format radiofonici per Gioconda Radio (pAdcast) e Radio Raheem (Dialects).
Con un'ampia discografia alle spalle, ha all'attivo numerose uscite per etichette europee e americane come Delicieuse Records, Four Flies, Smooth Agent, Omena, Cahoots, Deep Vibes, Hivern Discs, Seven Villas e Cosmic Disco. Il suo ultimo disco, “Agua”, è stato pubblicato dalla Early Sound Recordings ad aprile 2023.
Alberto Laruccia classe 1992 è laureato in Composizione Pop - Songwriting al Saint Louis College of Music di Roma dove sta conseguendo la Specializzazione in Musica Applicata. E’ chitarrista, compositore e polistrumentista.
Con La Scala Shepard ha pubblicato Bersagli edito da Goodfellas; come arrangiatore ha pubblicato con l’etichetta Il Cantautore Necessario, il 23esimo disco di Edoardo De Angelis: Io volevo sognare più forte in occasione del quale ha collaborato con Cristiano Micalizzi, Marco Siniscalco, Michele Ascolese e Alessandro Gwis. Scrive per teatro e per immagini.
Ha scritto le musiche per lo spettacolo teatrale Fata Morgana: a hallucination from the mad sensational life of Nico in cartellone nell’agosto del 2022 al Fringe Festival di Edimburgo e per Into the dust di e con Andrea Walts e Giorgio Borghetti.
Ha arrangiato La buona novella in dialetto siciliano, concerto per 5 voci, pianoforte, violoncello e percussioni prodotto da Francesco Giunta e Musica del Sud con l’amichevole partecipazione della Fondazione Fabrizio De Andrè.
Per Andrea Walts compone le musiche di Bailabamba (con Massimiliano Bruno) e Come mi avete chiamato? (con Roberto Ciufoli, Luca Ward, Marius Bizau, Nicolò Senni). Per TV e web ha collaborato con Michela Giraud alle musiche di alcuni episodi della prima e della seconda stagione di Comedy Central News (produzione SkyItalia) e con il trio comico Le Coliche.
Recentemente ha firmato con Chiara Cusumano la colonna sonora del documentario “Fiumara d’arte” per la regia di Luca Di Molfetta, prodotto da Twister Film e in uscita su Chili Tv.
E’ chitarrista e polistrumentista del progetto Cane sulla Luna ed è in uscita con il suo primo disco solista sotto lo pseudonimo Edel.
Sound engineer e musicista, Imaging Director e Responsabile Audio dell’emittente radiofonica Radio Rock, fondatore di Hinkypunk Studio - Produzioni Musicali, Recording, Mix, Sound Design e Creative Hub.
Nato a Novi Ligure nel 1992, inizia il suo percorso al Saint Louis College of Music dove si laurea nel 2017 in “Regia e Tecnologia del Suono” con il massimo dei voti. Durante il suo percorso di laurea acquisisce e affina le migliori tecniche di recording e produzione, approfondendo l’utilizzo dei più diffusi software di postproduzione audio (Avid Pro Tools, Izotope RX, Adobe Audition, Steinberg Cubase, etc.) sia in ambito musicale che audiovisivo.
Inizia la sua carriera presso Radio Rock, curando la programmazione del palinsesto e la postproduzione di podcast e interviste (Ian Gillan, Steven Wilson, John Butler, Baustelle, Manuel Agnelli, etc.). Ne diventa presto il responsabile audio e, dopo gli studi con Lucio Scarpa, assume il ruolo di Imaging Director, dedicandosi alla produzione di Jingle, Promo e Brandings.
Ha lavorato a diversi cortometraggi, tra cui FEIC di Gianluca Manzetti (Sound Design e Musica), NINA, LELLÈ E U MARI di Giulia Maria Mutolo (Sound Design e Mix Stereo), NICA di Giuditta Vasile (Sound Design), BLOW JASMINE di Marco Cavazzin e Luca Moro (Mix e Sound Design), COME MI AVETE CHIAMATO? di Andrea Waltz (Mix Musica) e alla sonorizzazione del film ORO E PIOMBO di Emiliano Ferrara.
Ha collaborato con il duo comico LE COLICHE come Mixing Engineer (Castellammare, Tutto l'indie che ho, Restare a 90, A Ostia vacce te, Rap Battle - Piero VS Alberto, Indiefobia, LOVVO, Una noia assurda e La doccia stica) e con Michela Giraud per la sigla di Michela a Milano (CCN 2021).
Responsabile Audio e Mixing Engineer del progetto Soul Terrazz con i live set di Davide Shorty, RBSN, William Pascal, Swed, Sans Soucis, Ainè, Lucci e Laila Al Habash.
La certificazione Trinity offre a musicisti di ogni livello un riconoscimento ufficiale delle proprie competenze, aprendo numerose porte nel mondo musicale. Con la certificazione Trinity, ottieni una qualificazione internazionale e la possibilità di costruire un portfolio che riflette la tua crescita tecnica e artistica. Per un musicista, la certificazione Trinity è più di un titolo: è uno strumento per affinare il proprio talento, guadagnare credibilità e aprire nuove prospettive professionali e artistiche.
La certificazione del Trinity College è accettata e rispettata in tutto il mondo. Questo la rende un ottimo biglietto da visita per musicisti che vogliono lavorare o studiare all’estero, dando prova delle proprie abilità a scuole di musica, band, e istituzioni professionali.
Il Trinity offre percorsi a livelli progressivi, che vanno dal principiante all’avanzato. Questo permette ai musicisti di misurare e certificare la loro crescita nel tempo, un ottimo incentivo per migliorare continuamente le proprie abilità.
Con un’enfasi sulla musicalità e l'espressione personale, la certificazione Trinity è particolarmente apprezzata dai musicisti che vogliono migliorare la propria capacità di comunicare attraverso la musica. Il focus non è solo sulla tecnica, ma anche sull’interpretazione e sull’autenticità dell’esecuzione.
La certificazione può dare accesso a opportunità di carriera, borse di studio e programmi educativi specializzati. Molte accademie e scuole riconoscono infatti la certificazione Trinity come criterio di ammissione o di valutazione del livello.
Per un musicista, la certificazione Trinity è più di un titolo: è uno strumento per affinare il proprio talento, guadagnare credibilità e aprire nuove prospettive professionali e artistiche.
MOB STUDIOS
Produzioni Artistiche
Indirizzo
Via delle Conce, 14
Roma - Zona Piramide
Telefono
+39 0657285639
Mobile & WhatsApp
SCUOLA DI MUSICA: +39 3397218342
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Credits: papestudio
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